Vincent van Gogh
(Groot-Zundert, Países Bajos, 1853 - Auvers-sur-Oise, Francia, 1890) Pintor holandés. En las décadas finales del siglo
XIX, el impresionismo marcó el inicio de una profunda renovación de las artes plásticas que tendría continuidad en
la sucesión de
ismos o corrientes del arte contemporáneo. Algunos de los mejores maestros de este periodo, sin embargo,
no pueden encasillarse en ninguna escuela, y abrieron por sí solos nuevos caminos; entre ellos, el holandés
Vincent van Gogh ocupa
una posición señera.
Detalle de un
Autorretrato de 1890
Encarnación del artista torturado e incomprendido, Van Gogh
no llegó a vender más que uno de aquellos centenares de cuadros
suyos que actualmente alcanzan desorbitadas cotizaciones en las
subastas. El reconocimiento de su obra no empezó hasta un año después
de su muerte, a raíz de una exposición retrospectiva organizada
por el Salón de los Independientes; en nuestros días,
Van Gogh es considerado unánimemente uno de los grandes genios
de la pintura moderna. Su producción ejerció una influencia
decisiva en todo el arte del siglo XX, especialmente en el
fauvismo y el expresionismo; y tras más de un siglo de experimentos
artísticos,
la pincelada tosca y atormentada del artista holandés,
alimentada por el vigor de su pasión interior, conserva toda su
fascinante
fuerza expresiva.
Biografía
Vincent van Gogh era el mayor de los seis hijos de un pastor
protestante, y mantuvo con su hermano Theo, cuatro años menor que él,
una relación que sería determinante en su existencia y en su
trayectoria artística. La correspondencia que ambos intercambiaron
a lo largo de sus vidas testimonia la intimidad de esta relación
y las pasiones y angustias humanas y creativas que atormentaron
a Van Gogh en sus últimos años. Tras recibir una esmerada
educación en un internado privado, a los dieciséis años
entró como aprendiz en la filial de La Haya de la galería de
arte parisina Goupil, una sociedad de comerciantes de arte fundada por
su tío Vincent.
En 1873 pasó a la sucursal de la galería Goupil en Londres,
donde hubo de padecer el primero de sus fracasos sentimentales; en
1875 fue trasladado a la filial parisina; en 1876 se despidió y
regresó a Holanda. Trabajó después como profesor, ayudante
de un pastor metodista y empleado de una librería; ninguno de
estos empleos le duró mucho tiempo. Por aquel entonces sentía
sobre todo la necesidad espiritual de entregarse a sus
semejantes; de hecho, siempre había querido ser pastor, como su padre, y
tal vocación
lo llevó a Ámsterdam para seguir los estudios de teología, que
suspendió.
Pasó entonces a la Escuela de Evangelización Práctica de
Bruselas, y en 1878 fue enviado por sus superiores a la zona minera
del Borinage. Establecido en el pueblo de Pâturages, próximo a
Mons, realizó una serie de dibujos de los mineros. La Escuela
de Evangelización lo expulsó por su excesiva implicación:
impresionado por sus infrahumanas penurias, Van Gogh llegó a
dar a los mineros lo poco que tenía y a vivir más pobremente que
ellos.
El contacto con tal miseria y desolación socavó su fe, y Van Gogh
pasó esta crisis espiritual vagando por Francia y Bélgica
y escribiendo a su hermano Theo, que ocupaba ahora su antiguo
empleo en la galería Goupil de París. Animado por Theo, en 1880 decidió
dedicarse
a la pintura y fue a Bruselas, donde conoció al pintor Anthon
Van Rappard (con quien mantendría una larga relación) y llevó a
cabo las primeras copias de Millet.
Tras otro fracaso sentimental con su prima Kate, conoció a
una prostituta llamada Sien, cuyos infortunios despertaron su siempre
infinita
compasión. En 1882 vivió en Schenkweg con Sien y con sus hijos,
que tomó a su cargo; seguía dibujando, y realizó sus
primeros cuadros. Tras descubrir Theo su relación con Sien,
rompió con ella a instancias de su hermano y marchó al norte,
donde permaneció hasta finales de 1883. Fue luego a Nuenen,
donde se aproximó de nuevo a su familia y pintó febrilmente; de
esos dos años (1884-1885) son sus primeras telas de importancia.
Cuadros como
Los comedores de patatas (1885), diversas
representaciones
de tejedores y cabezas y figuras de campesinos forman, junto
con innumerables dibujos, el conjunto de obras de esta etapa de
formación.
En 1886 se reunió con su hermano en París; allí, en la
capital artística de Europa, el contacto con el impresionismo
reorientó visiblemente su estilo. Se relacionó con los
impresionistas y postimpresionistas en la tienda de colores del "père
Tanguy" (de quien pintó el conocido retrato) y descubrió el arte
japonés. Su hermano le presentó a Camille Pissarro,
Georges Seurat y Paul Gauguin; conoció asimismo a
Toulouse-Lautrec y Émile Bernard, y bajo ese nuevo ambiente llegaría a
la
definición de su pintura. Su paleta se tornó definitivamente
clara y colorista y sus composiciones menos tradicionales, dando forma
a su personal visión del postimpresionismo.
Van Gogh pintando girasoles (1888), de Paul Gauguin
Los consejos de su hermano y su interés por el color y por la
captación de la naturaleza lo indujeron a trasladarse en febrero
de 1888 a Arlés, en la soleada Provenza, donde su obra fue
progresivamente expresando con mayor claridad sus sentimientos sobre lo
representado
y sus propios estados de ánimo. Trabajó intensamente, pintó la
mayoría de sus telas más célebres y puras
y escribió sus páginas más claras y profundas. Pero la soledad
se le hacía insoportable, y con el propósito
de formar un taller colectivo, Van Gogh alquiló una casa donde
invitó a los artistas con quienes compartía intereses.
A instancias suyas,
Paul Gauguin
se instaló en la "casa amarilla" (así llamada por el color de sus
paredes)
en octubre de 1888, pero la relación
fue haciéndose
más y más difícil por el fuerte temperamento de ambos. En el
transcurso de una discusión, Van Gogh llegó a atacar
a Gauguin con una navaja de afeitar; luego, arrepentido de aquel
arranque, se cortó el lóbulo de la oreja para expiar su culpa y
lo hizo llegar a Gauguin, quien, lejos de conmoverse ante
aquella muestra de contrición, lo juzgaba ya como un loco peligroso con
el que
no tenía ninguna intención de convivir. De este confuso lance
(pues existen otras versiones del mismo) dan fe dos célebres
autorretratos del pintor con una oreja vendada; en el segundo de
ellos aparece fumando melancólicamente su pipa, ensimismado y sombrío.
Autorretrato con la oreja cortada y pipa (1889)
Tras la marcha de Gauguin, Theo le visitó e hizo que
ingresara en el hospital de Arlés. En mayo de 1889, ante el temor a
perder
su capacidad para trabajar, pidió ser ingresado en el hospital
psiquiátrico de Saint-Rémy-de-Provence, donde permaneció doce
meses. También en este período Van Gogh pintó intensamente; tras
sufrir diversos ataques y ante la imposibilidad de salir
al exterior, realizó obras relacionadas con el hospital,
retratos de médicos y reinterpretaciones de obras de Rembrandt,
Delacroix
y Millet. La pérdida de contacto con la realidad y una
progresiva sensación de tristeza son las claves de este período, durante
el cual desarrolló un estilo basado en formas dinámicas y en el
uso vigoroso de la línea, de lo cual resultó una pintura
más intrépida y visionaria que la de Arlés.
Sin conseguir superar el estado de melancolía y soledad en
que se encontraba, en mayo de 1890 se trasladó a París para
visitar a su hermano Theo. Por consejo de éste viajó a
Auvers-sur-Oise, donde fue sometido a un tratamiento homeopático por
el doctor y pintor aficionado Paul-Ferdinand Gachet. En este
pequeño pueblo retrató el paisaje y sus habitantes, intentando captar
su espíritu. Su estilo evolucionó formalmente hacia una pintura
más expresiva y lírica, de formas imprecisas y colores
más brillantes.
La siesta (1890)
Pese a que unos meses más tarde el doctor Gachet consideró
que se encontraba plenamente curado, su estado de ánimo no
mejoró; asediado por sentimientos de culpa debidos a la
dependencia de su hermano Theo y a su fracaso como artista, su espíritu
se encontraba irremediablemente perturbado por una tristeza
inconsolable. El 27 de julio de 1890, en el silencio de los campos bajo
el sol, Van
Gogh se descerrajó un disparo
en el pecho; murió dos días más tarde, sin haber cumplido los
treinta y siete años. Al cabo de seis meses, sumido en
el dolor, le siguió su hermano Theo, enterrado a su lado en el
pequeño cementerio de Auvers.
La obra de Van Gogh
Menos de diez años de dedicación a la pintura bastaron para
otorgar a Van Gogh un lugar entre los genios de la
historia del arte, y es difícil imaginar cuál hubiera sido su
aportación de no haber truncado él mismo su trayectoria.
Debe decirse, sin embargo, que su dedicación fue tan breve como
ardiente: componen su legado más de ochocientos cuadros, además
de numerosos dibujos y aguafuertes. Las obras realizadas antes
de su estancia en París conforman lo que podría llamarse el periodo
oscuro del pintor; de hecho, sus primeras telas importantes
datan de los dos años inmediatamente anteriores a su llegada a la
capital francesa
(1884-1885). Admirador entusiasta de
Millet, Van Gogh retrató con rudeza en estas primeras obras el sufrimiento
de los trabajadores humildes sometidos a considerables esfuerzos físicos y sus miserables condiciones de vida.
Los comedores de patatas (1885)
La obra más ambiciosa y que mejor refleja esta etapa del pintor es
Los comedores de patatas
(1885, Museo Vincent van Gogh, Ámsterdam).
Cinco personajes se reúnen a las siete de la tarde en un lúgubre
comedor para tomar patatas y café. Con crudeza y dramatismo,
Van Gogh transmite en los rostros deformados una miseria sin
esperanza. Una tenue lámpara de gas ilumina levemente los alimentos,
la mesa y los cuatro personajes del fondo. En primer plano, a
contraluz, se halla una mujer en una escala exageradamente reducida.
Las facciones son caricaturescas, los cuerpos deformes y el
ambiente claustrofóbico. Desde el punto de vista formal, la obra se
caracteriza
por pinceladas gruesas y agitadas en tonos muy oscuros. La
identificación del artista con el sufrimiento de los pobres y marginados
encuentra
su vehículo en esta inmediatez de los medios pictóricos
utilizados, totalmente ajenos a los convencionalismos academicistas.
En París
El mismo año que
Georges Seurat presentó al público
Tarde de domingo en la isla de
la Grande Jatte (1886),
Van Gogh llegó a París, donde permaneció hasta 1888. Durante
esos dos años su estilo pictórico cambió de
modo radical: se alejó de la tradición holandesa para inclinarse
por las tonalidades claras, por los colores puros y por las pequeñas
pinceladas divisionistas que le enseñaron
Camille Pissarro y
Paul Signac.
A pesar de que sus inclinaciones por la disciplina divisionista
fueron escasas, aprendió, sin embargo, la importancia de la pincelada y
la yuxtaposición de colores,
que utilizaría posteriormente para fines más subjetivos y
personales.
Autorretrato con sombrero de paja (1887-88)
Uno de los cuadros representativos de la estancia en París es el
Autorretrato con sombrero de paja
(1887-88, Museo de Arte Metropolitano,
Nueva York). La paleta y las pinceladas evidencian la influencia
del divisionismo o puntillismo, especialmente el practicado en las
obras de Seurat
y Signac. Van Gogh consigue en esta obra una total asimilación
de los principios neoimpresionistas, y el autorretrato refleja el fuerte
temperamento de quien, en diciembre de 1885, había escrito a su
hermano: "Prefiero pintar ojos de seres humanos en vez de catedrales,
ya que hay algo en los ojos que no está en las catedrales, no
importa lo solemne e imponentes que éstas puedan ser. El alma de un
hombre, así sea la de un pobre vagabundo, es más interesante
para mí".
Arlés
En febrero de 1888 Van Gogh se trasladó a la localidad de
Arlés, en el sur de Francia. Pretendía encontrar allí la
luminosidad que tanto había admirado en los grabados japoneses.
Le fascinaron el sol deslumbrante, el cielo azul intenso y la viveza de
los colores. Realidad y pintura parecían ponerse de acuerdo;
atrás quedaban los cielos cubiertos de Holanda, Bélgica y París.
En
Sembrador con el sol poniente (1888, Museo Vincent
van Gogh, Ámsterdam), el sol meridional irradia los campos con su
energía,
mientras un campesino -inspirado en Millet- siembra la tierra.
La obra expresa la alegría del autor ante un lugar que estimuló su
fuerza creativa y le permitió avanzar en su trabajo artístico.
Sembrador con el sol poniente (1888)
Van Gogh intentó convencer a Émile Bernard y Paul Gauguin para que se trasladaran a vivir a este paraíso meridional y crear,
así, una pequeña comunidad de artistas. Vincent se dejó seducir por los contornos nítidos y los extensos planos de
color puro que caracterizaba el estilo de sus compañeros, y se dejó influir por ellos en obras como
El café de noche de
Arlés (1888, Yale University Art Gallery, New Haven, Connecticut).
Pero Van Gogh, instalado en Arlés ocho meses antes de la
llegada de Gauguin, había encontrado su propio estilo más allá del
impresionismo y del divisionismo. Las divergencias y
enfrentamientos entre ambos artistas fueron múltiples. Gauguin rechazaba
los empastes
que Van Gogh utilizaba porque le parecían desordenados; se veía a
sí mismo como un primitivo refinado, mientras que consideraba
a Vincent un artista impulsivo y romántico.
En una serie que tenía como tema Les Alyscamps, un parque de Arlés, Van Gogh siguió los consejos de Gauguin de hacer una
pintura "de memoria", inspirada en el cuadro
Mujeres en el jardín (1888, Art Institute, Chicago) pintado por su
compañero.
Es también el caso de
Mujeres de Arlés (1888, Museo del
Hermitage, San Petersburgo), uno de los escasos trabajos del artista
no creados al natural. Gauguin le imponía con insistencia tal
procedimiento, el cual terminaría siendo otro motivo de desavenencia
artística entre ambos maestros, ya que Van Gogh consideraba que
el trabajo al natural era el único medio a través del cual
podía expresar sus ideas.
Mujeres de Arlés (1888)
Mujeres de Arlés también es conocido con el título
Recuerdo del jardín de Etten
(pequeña
ciudad del norte de Holanda en la que trabajó el pintor algún
tiempo). Probablemente fue este hecho, el del recuerdo, el que hizo
innecesario el trabajo al natural. Las figuras y el paisaje se
extienden sin profundidad, paralelamente a la superficie del lienzo, en
zonas peculiares,
de acuerdo a un método adquirido de los pintores japoneses. A
primera vista parece que el cuadro está pintado en anchas extensiones
de colores, pero una mirada atenta nos demuestra que estas
extensiones están saturadas de pequeñas y precipitadas pinceladas, que
crean el dinamismo interno de las formas y las hace sumamente
expresivas. Los rostros de las mujeres, pensativos y tristes, transmiten
al espectador
un sentimiento de angustia.
En el plano artístico, su estancia de poco más de un año en Arlés se tradujo en unos doscientos lienzos.
La
habitación de Van Gogh en Arlés (1889, Museo de Orsay,
París) es uno de los más célebres. Representa el
dormitorio del pintor, tema que trató en varias ocasiones con el
deseo de expresar la idea de un "completo descanso" a través únicamente
del uso de colores claros y empastados. En él, con una extrema
concisión, el pintor mostró el ambiente de la pieza, amueblada
con suma sencillez con una cama, una mesa, dos sillas, un
espejo, varios cuadros y dos dibujos. Una de las versiones de este
lienzo fue acabada
por Van Gogh en 1889, durante su estancia en el asilo de
Saint-Rémy-de-Provence.
La habitación de Van Gogh en Arlés (1889)
De la estancia en Arlés hay que destacar también otras obras famosísimas:
Los girasoles
(1888,
National Gallery, Londres) formaba parte de una serie destinada a
decorar el estudio donde trabajaban juntos Van Gogh y Gauguin; en
algunos de
los lienzos las flores están colocadas sobre un fondo azul, pero
en éste todo está pintado en distintas gamas de amarillo,
color que en el artista se asocia a la luz del sol y a la
felicidad. Pintó también paisajes, naturalezas muertas y retratos, así
como
sus conocidos lienzos de campos de trigo luminosos y
resplandecientes bajo un cielo azul intenso.
Los últimos años
Cuando a principios de diciembre de 1888 Gauguin realizó un retrato de Vincent,
Van Gogh pintando girasoles
(1888, Museo Vincent
van Gogh, Ámsterdam), Van Gogh creyó ver representada su propia
locura. Después, con el lance turbulento de la mutilación
de la oreja (nunca del todo esclarecido) terminó una tempestuosa
convivencia de dos meses y, con ella, la utopía de crear una comunidad
de artistas en el sur de Francia. Todo ello lo sumió en una
gravísima crisis mental que acabaría con su internamiento en un
hospital.
Van Gogh sufriría desde entonces varias crisis nerviosas,
aunque sólo ocasionalmente afectaron a su acelerado ritmo de trabajo;
estuvo internado, primero, en el sanatorio mental de Saint-Rémy,
y luego, bajo la atención del doctor Gachet, en Auvers-sur-Oise.
En los varios cuadros que dedicó a su médico (como el
Retrato del doctor Gachet,
1890, Museo de Orsay, París) subraya
su pasividad y melancolía en un gesto plenamente romántico. Las
obras de este período final acusan un fuerte contraste y reflejan
su íntima desdicha y los tormentos interiores que le afligían;
el tratamiento formal, nervioso y desasosegado hasta el paroxismo,
las pinceladas gruesas y ondulantes y los bruscos colores de su
paleta expresan su zozobra.
Detalle de un
Autorretrato (1890, Museo de Orsay, París)
También en esta última etapa abundan las obras maestras; a ella pertenecen sus mejores autorretratos, entre los que sobresale
el
Autorretrato de 1890 (Museo de Orsay, París), que
regaló al doctor Gachet. El predominio de los tonos azules contrasta
con los rojos y naranjas del pelo y el rostro; azules son
también los ojos, cuya mirada fija y penetrante atrae inmediatamente la
atención
del espectador. En cierta ocasión escribió a su hermano Theo:
"Se ha dicho -y estoy dispuesto a creerlo- que no es fácil
conocerse uno mismo, ni tampoco pintarse uno mismo". El cuadro
es uno de los resultados culminantes del laborioso ejercicio de
introspección
a que se sometió Van Gogh.
Aunque también puedan encontrarse lienzos de límpido esplendor, en sus últimos paisajes la belleza natural aparece a menudo
turbada por una subterránea agitación, reflejo de la ansiedad del artista.
Las barracas
(1889, Museo del Hermitage, San
Petersburgo) presenta en apariencia un sencillo paisaje, con un
campo en primer plano, un grupo de barracas, unos cerros y el cielo como
telón
de fondo. Sin embargo, ni una sola parcela del lienzo se halla
libre de inquietud: todo está en tensión y todo se encuentra en
impetuoso
movimiento. El cielo, pintado con grandes pinceladas, parece
precipitarse sobre los cerros, los cuales a su vez se asemejan a fuertes
oleadas de
agua que se abalanzan sobre las construcciones. Las imágenes de
las barracas
tampoco irradian tranquilidad con sus quebradas siluetas. La
misma tensón posee la gama cromática: predominan los tonos verdes
variados,
pero de golpe un tejado casi rojo rompe el equilibrio.
Cipreses (1889)
En
Cipreses (1889, Metropolitan Museum, Nueva York),
esos infamados árboles que simbolizaron siempre la hospitalidad se
yerguen
como dos llamaradas desde una espesura de matas bajas,
diabólicamente inquietas contra un luminoso cielo azul arremolinado de
nubes
blancas. Las pinceladas son espesas, se arraciman y se
superponen en torbellino, y el conjunto del paisaje queda traspasado por
una turbadora ansiedad.
Una proyección aún más intensa de su estado de ánimo en el
paisaje se encuentra en
Noche estrellada (1889,
MOMA, Nueva York), donde las ondulaciones sacuden una visionaria
representación del cielo, reflejo de una abrumadora angustia interior.
La fuerza de tales obras ha valido al artista la consideración
de genial precursor del expresionismo.
Noche estrellada (1889)
No siempre fue sombrío el ánimo de Van Gogh en esta fase
final. De hecho, muchas de las cartas a Theo de los últimos meses
están iluminadas por una alta y feliz embriaguez creadora, por
el gozo de una liberación artística finalmente alcanzada en íntima
comunión con la libre naturaleza. La desazón interior convivía
con una pasión creativa inextinguible y con su exacerbada
sensibilidad por la belleza, y tal tensión está en la base de
muchas obras.
Campo de trigo con cipreses (1889, National
Gallery, Londres) muestra el espíritu inquieto de un hombre al
borde de la locura, pero también expresa la admiración del
artista por la belleza y el poder de la naturaleza, como se
manifiesta en los cipreses flameantes y en las espigas dobladas por el
viento.
Campo de trigo con cipreses (1889)
Análoga complejidad anímica se refleja en obras como
Las lilas
(1889, Museo del Hermitage, San Petersburgo). La espesa
hierba y las flores del primer plano son especialmente hermosas,
y los radiantes colores con los cuales está pintado el arbusto en flor
suenan como un himno a la belleza y al poder de la naturaleza;
pero el azul del segundo plano presenta una tonalidad tan intensa que
hace pensar
en el estado anímico del pintor. Cada forma pictórica y cada
pincelada manifiestan el máximo de tensión: los tallos
y los pétalos de las filas se retuercen como si estuvieran en el
fuego.
Pero la naturaleza, que alegraba y sorprendía al maestro con
su belleza, no lograba sosegar su atormentada alma. Dos semanas antes de
su suicido pintó una de sus obras más sobrecogedoras,
Trigal con cuervos
(1890, Museo Van Gogh), que ha sido objeto de dispares
interpretaciones. Un premonitorio cielo oscuro con una bandada
de cuervos cubre uno de sus amados trigales, atravesado a medias por un
camino cortado.
Trigal con cuervos (1890)
En las tablas superiores se representa a Dios Padre con sus atributos
de poder y en posición sedente flanqueado por la Virgen y
por San Juan. Éstos, a su vez, están rodeados por
ángeles cantores y éstos por Adán y Eva desnudos.
